En la historia del arte hay momentos que no solo transforman la forma de pintar, sino la manera de ver el mundo. El surgimiento del arte abstracto a inicios del siglo XX es uno de ellos; un punto de quiebre donde la pintura dejó de imitar la realidad para comenzar a interpretarla desde lo esencial.
A diferencia del arte figurativo, que busca representar objetos, paisajes o personas reconocibles, la abstracción renuncia a la apariencia visible para explorar color, forma, línea y emoción como lenguajes autónomos. No se trata de lo que vemos, sino de lo que sentimos frente a la obra.
La corriente abstracta surge en Europa a principios del siglo XX, en un contexto de profundos cambios sociales, científicos y filosóficos. Ciudades como Múnich, Moscú y París se convirtieron en centros clave donde los artistas comenzaron a cuestionar la representación tradicional. Fue en este entorno donde Wassily Kandinsky desarrolló las primeras pinturas completamente abstractas alrededor de 1910, marcando un momento decisivo en la historia del arte.
Este cambio no fue aislado. La abstracción nace como respuesta a una nueva forma de entender el mundo; la aparición de la fotografía, los avances científicos y una creciente necesidad de expresar lo invisible, lo espiritual, lo emocional, lo interno, más allá de la realidad visible.
Más que un movimiento repentino, el arte abstracto es el resultado de una evolución. El impresionismo comenzó a capturar la luz y la percepción del instante, alejándose del detalle exacto; el postimpresionismo profundizó en la estructura y la emoción; el fauvismo liberó el color de su función descriptiva; y el cubismo fragmentó la realidad en múltiples perspectivas. En ese recorrido, la pintura dejó de ser una ventana al mundo para convertirse en un espacio de construcción visual.
El primer gran paso hacia la abstracción se atribuye a Wassily Kandinsky, quien propuso que el arte debía expresar una necesidad interior. Para él, el color tenía una dimensión espiritual y la pintura podía funcionar como la música, sin necesidad de representar nada concreto.
Estas ideas se materializan en obras como Composición VII (1913). A su lado, Kazimir Malevich llevó esta ruptura al extremo con Cuadrado negro (1915). Por su parte, Piet Mondrian construyó un lenguaje universal en piezas como Composición con rojo, azul y amarillo. En esta misma línea, artistas como Paul Klee aportaron una dimensión poética, mientras que Josef Albers profundizó en la percepción del color.
“El color es un medio para ejercer una influencia directa sobre el alma.”
Wassily Kandinsky
Arte abstracto: cuando el arte dejó de imitar la realidad
Con el paso del tiempo, esta corriente se diversificó. El expresionismo abstracto en Estados Unidos, con figuras como Jackson Pollock, Mark Rothko y Willem de Kooning, llevó la pintura hacia el gesto y la emoción.
En México, la abstracción encontró un terreno particular, con artistas como Manuel Felguérez, Vicente Rojo, Lilia Carrillo y Fernando García Ponce desarrollaron un lenguaje propio con identidad local.
En definitiva, hay que decir que el arte abstracto no busca explicar, ni describir, ni narrar. Su propósito es otro; provocar, y en ese espacio donde ya no hay figuras reconocibles, aparece algo más profundo; la posibilidad de sentir sin necesidad de entender.
(*) La autora pertenece a una familia profundamente vinculada al arte y la cultura mexicana: es bisnieta del maestro Carlos Mérida y de la bailarina Ana Mérida. Su interés por el arte moderno latinoamericano forma parte de su historia familiar, además de llevar adelante su nueva galería.
